Предпочтительно развивать технические возможности учащихся на красивой, выразительной музыке, даже постановку рук отрабатывать не на голых упражнениях, а на пьесах, ставя перед ним в качестве первоочередной задачи создание и воплощение художественного замысла. Тем самым можно добиться творческого, образно-эмоционального отношения к работе над исполнительской техникой.
2. Постановка руки, посадка за инструментом, координация движений
Характер и продолжительность упражнений для постановки руки, посадки за фортепиано, координации движений зависят от предварительной подготовки учащегося.
Согласно методике Т.И. Смирновой, с учащимися, не имеющими предварительной подготовки, рекомендуется позаниматься танцевальной импровизацией, используя классическую и джазовую музыку. В таком лёгком и приятном времяпрепровождении учащийся укрепит мышцы, освободится от зажатости, разовьет ритмическое чувство и пластику движений, не только познакомится с новыми музыкальными произведениями, но и прочувствует их «душой и телом».
С самого начала обучения следует запомнить, что от посадки зависит верное звукоизвлечение. Свободные движения всех частей руки (пальцев, кисти, локтя, предплечья, плеча) и всего корпуса могут совершаться только при верной посадке. На каком стуле сидеть за фортепиано? Это далеко не безразлично, так как во многом определяет положение корпуса исполнителя. [3]
Т.И. Смирновой разработаны несколько упражнений, которые помогут правильно сидеть за инструментом, ровно держать спину, оставляя руки и плечи свободными, делая опору на ноги и.т.д. Для всех упражнений придуманы названия, которые можно менять в зависимости от характера, возраста и особенностей ученика.[4]
В данной методике также приводятся несколько общеизвестных упражнений на постановку руки.
Затем, согласно методике, приступают к более сложным упражнениям, развивающим координацию движений, цепкость и свободу рук, глубину взятия звука, глубокое легато.
3. Знакомство с клавиатурой. «Донотный» период обучения
Согласно методике Т.И. Смирновой – изучение клавиатуры лучше начинать, зрительно ориентируясь на чёрные клавиши. Две рядом стоящие чёрные клавиши – окошечко, три – балкон. Это одна квартира, в которой живут семь нот. Нота «ре» (D) – смотрит в окошко, а на балконе стоят «соль» и «ля» (G, А).[5] Учащийся играет все ноты «ре» 3 пальцем, затем 2 и 3 «соль» и «ля» на всей клавиатуре, перенося руки как по радуге.[6] «До» и «ми» стоят рядом с окошком (играются третьими пальцами обеих рук, затем 1 и 3, 3 и 5 каждой руки); «фа» и «си» прижались к балкону (можно сыграть, изображая сигнал сирены скорой помощи или пожарной машины, показав звуком настроение, когда она едет на вызов и после вызова, и каков результат оказанной помощи).
Знакомя ученика с клавиатурой, требуется заучить с ним буквенные обозначения нот. Не надо думать, что это непомерная трудность. Нужно объяснить, что первая клавиша на клавиатуре «ля» будет обозначаться буквой А – первой буквой латинского (английского, немецкого) алфавита. Все последующие клавиши будут соответствовать буквам алфавита: А, В, С, D, Е, F, G. Т.И. Смирнова советует сразу объяснить, что буквами обозначаются не только ноты, но и аккорды, которые от них строятся. Сначала требуется поиграть трезвучия, а затем их обращения. Причем играть ноты надо не только в тесном расположении, но и в широком. Учащийся должен понять, что, например, «ми» в большой октаве, «до» в первой и «соль» в третьей являются аккордом до мажорного трезвучия (С).
Т.И. Смирнова утверждает, что подготавливая решение одной задачи, надо обязательно продумывать, как она будет работать на решение последующих. Только в таком случае можно считать, что время урока использовано полноценно. [7]
С первого урока, с первого прикосновения к клавише нужно начинать работать над характером звука.
Учащийся не должен играть только для того, чтобы правильно поставить палец, руку. Обязательно следует оживить звуки, придумать какую-либо игровую форму. Самое главное, нужно нацелить учащегося на то, чтобы с первого занятия он искал в звуках образ, настроение и с этим чувством работал над заданием. Хорошим подспорьем в данном направлении работы являются упражнения, названные «атональными импровизации».[8]
Именно звукоизвлечение, выразительность исполнения являются их сутью, определяют содержательность и красоту сочиненной композиции. После их выполнения, при разучивании пьес у ученика возникает желание, во-первых – определиться в своем художественном замысле, во-вторых – проанализировать, подумать, что для этого надо сделать, какими должны быть движения рук.
При таком подходе к обучению учащийся заинтересован в рекомендациях и советах преподавателя, благодарен ему за помощь. С первых занятий начинается процесс совместного творчества.
В этом коренное отличие данной методики от широко распространенной практики поэтапного разучивания музыкальных произведений (сначала ноты, аппликатура, отработка безошибочной игры и лишь затем – нюансировка, да и то не по душевному настрою ученика, а проставленная в нотах).
Довольно часто в процессе обучения встречается неправильное распределение задач между обучающим и обучаемым: учитель должен объяснять, а ученик – внимать и выполнять.
Заинтересованность ученика при таком раскладе крайне относительна. Нужно стремиться кпроблемному обучению, когда учитель и ученики совместно «творят музыку», решая одновременно технические и содержательные задачи.
Игру на инструменте следует начинать с первого урока, ещё до начала игры по нотам. Если начальный период подготовки к игре затянется и увязнет в мелких упражнениях по постановке рук, в изучении теоретических основ, в скучном репертуаре, интерес к занятиям довольно быстро начнет угасать. А главная задача, по мнению Т.И. Смирновой, – не только сохранить, но и укрепить его, с самого начала дать учащимся возможность почувствовать себя умеющим играть нечто значимое.
Согласно методическим рекомендациям обучение начинается методом показа, когда ученик, что называется, «берет с рук». На уроке он играет с педагогической помощью, а дома вспоминает, подбирает по слуху. Требуется написать ему подсказки, с какой ноты начинается музыкальное произведение и какие ноты можно брать левой рукой. Обычно следует писать, используя буквенное обозначение нот (А, F, С).
Подбор «подходящей» ноты будет начальным этапом в развитии гармонического слуха ученика, одновременно он закрепит в памяти буквенное обозначение нот и аккордов.
Очень удобно на песенках работать над выразительностью исполнения. Нужно определить в беседе с учащимся, какая это песенка по характеру, какое настроение надо в ней передать. Настроение, а следовательно, темп, динамику, фактуру аккомпанемента одной и той же песенки можно менять
Так в увлекательной игровой форме будет развиваться координация движений, слуховая и зрительная память, появятся элементарные навыки подбора по слуху.
Конечно, ещё рано требовать от учащегося фразировки, меняющихся, гибких нюансов, но общий настрой, характер музыки он сможет выразить, если не игрой, то хотя бы голосом.
Важно, что он сам решит, как ему исполнять музыку, то есть это будет его художественный замысел, его творческая интерпретация.
Одновременно (в течение 1 месяца) на этом же музыкальном материале можно изучать нотную запись и обучать игре по нотам. Партию левой руки (ее подсказывает преподаватель) можно усложнять или упрощать в зависимости от способностей ученика. Она дана в нотах как один из вариантов.[9]
4. О ритме, метре и внутренней ритмической пульсации
Активная работа но развитию метро-ритмического чувства учащегося начинается также с первых занятий. На 3¾4-м уроке нужно показать ученику ритмическую запись и начать выполнять с ним серию упражнений. Цель этих упражнений и всей последующей работы – выработать чувство внутренней ритмической пульсации, познакомить со сложными ритмическими фигурами, подготовить ученика к исполнению современных и джазовых произведений. В первую очередь для этого следует отказаться от принятого счёта вслух «раз и, два и», так как такой счёт ассоциируется у обучаемых с подсчитыванием количества нот в такте, а не с ощущением длительности их звучания, что мешает развитию внутреннего чувства ритмической пульсации. А джазовую музыку, с использованием такого счёта сыграть практически невозможно.
Согласно методике Т.И. Смирновой сначала нужно начать тему «ритм» с объяснения, что музыка – искусство временное. Картиной можно любоваться любое количество времени, а музыка подчинена времени. Затем можно побеседовать с учеником на тему – темп и пульс музыки. И только потом приступить к записи.
Работать над ритмическими схемами предлагается в следующей последовательности:
1. Берется маленький блок и отрабатывается до автоматизма (левая рука стучит пульс, правая ритм, и наоборот).
Записывать блоки можно в любом размере, в том числе на 5/4 и на 9/4. Ведь пока нет тактов, нет и размеров. Но учащийся научится свободно переходить с размера на размер и подготовит себя к исполнению пьес, которые встретятся чуть позже, особенно в джазовой музыке.
2. Из блоков составляются длинные и разнообразные схемы.
Можно написать блоки на карточках, и ученик сам будет их раскладывать в разных комбинациях и стучать.
После выполнения простых ритмических упражнений можно дать и общепринятую схему длительностей:
Показать эту схему можно не на общепринятом примере с яблоком, а на длинной полоске бумаги. Нужно нарисовать целую ноту, далее одновременно выполнить тройное действие: ведите карандашом по полоске бумаги, голосом тяните звук и отстукивайте пульс ногой. Затем нужно разделить полоску бумаги пополам – получилось два более коротких звука и т.д. Но тройное действие нужно выполнять постоянно; чтобы ученик чувствовал, что музыка – искусство во времени. Если пьеса медленная, то первая полоска бумаги будет очень длинная, а все последующие в два раза короче предыдущих. Если пьеса исполняется в быстром темпе, то первая полоска – небольшая, все остальные ещё короче.